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Politiques socialistes

Quand le jazz a rencontré le funk, il est devenu platine – la politique de respectabilité soit damnée

Personne ne résume mieux l'essor de ces intersections jazz-funk que Herbie Hancock.

Il y a peu d'artistes dans l'industrie de la musique qui ont eu plus d'influence sur le jazz acoustique et électronique et le R&B que Herbie Hancock. Comme l'a dit l'immortel Miles Davis dans son autobiographie, "Herbie était le pas après Bud Powell et Thelonious Monk, et je n'ai encore entendu personne qui soit venu après lui." Né à Chicago en 1940, Herbie était un enfant prodige du piano qui a interprété un concerto pour piano de Mozart avec le Chicago Symphony Orchestra à l'âge de 11 ans. Il a commencé à jouer du jazz au lycée, initialement influencé par Oscar Peterson et Bill Evans. Il a également développé une passion pour l'électronique et la science, et a obtenu une double spécialisation en musique et en génie électrique au Grinnell College. En 1960, Herbie a été découvert par le trompettiste Donald Byrd. Après deux ans de travail en session avec Byrd ainsi que Phil Woods et Oliver Nelson, il signe avec Blue Note en tant qu'artiste solo. Son premier album de 1963, «Takin’ Off », fut un succès immédiat, produisant le tube« Watermelon Man ».

En 1963, Miles Davis a invité Herbie à rejoindre le Miles Davis Quintet. (…)

Après avoir quitté Davis, Herbie a formé un nouveau groupe appelé The Headhunters et, en 1973, a enregistré «Head Hunters». Avec son single «Chameleon», il est devenu le premier album de jazz à devenir platine.

Je vous invite à écouter ce qui est probablement la meilleure illustration de ma prémisse de «cercle complet»: Herbie Hancock & the Headhunters interprétant «Chameleon», en concert à Brême, en Allemagne, en 1974.

Le site Web de Hancock a recueilli certaines des critiques élogieuses de Chasseurs de têtes; ces deux en particulier parlent de la signification de l'album.

"Chasseurs de têtes a marqué un tournant dans la carrière d'Herbie Hancock, le plaçant à l'avant-garde du jazz fusion. Hancock avait repoussé les limites de l'avant-garde sur ses propres albums et avec Miles Davis, mais il ne s'était jamais consacré au groove comme il l'a fait sur Chasseurs de têtes. S'inspirant fortement de Sly Stone, Curtis Mayfield et James Brown, Hancock a développé des rythmes profondément funky, voire graveleux, sur lesquels il a joué en solo sur des synthétiseurs électriques, mettant l'instrument au premier plan du jazz. Il avait toutes les sensibilités du jazz, en particulier dans la façon dont il se terminait en longues improvisations, mais ses rythmes étaient fermement implantés dans le funk, la soul et le R&B, ce qui lui donnait un attrait de masse qui en faisait l'album de jazz le plus vendu de tous. temps (un record qui a ensuite été battu). Les puristes du jazz, bien sûr, ont décrié les expériences de l'époque, mais Chasseurs de têtes sonne toujours frais et vital des décennies après sa sortie initiale, et son genre de flexion s'est avéré très influent non seulement sur le jazz, mais aussi sur le funk, la soul et le hip-hop. – Toute la musique

L'impact de l'enregistrement a commencé sur la radio et les campus du Black College (en particulier à l'Université Howard à Washington DC), et a explosé partout aux États-Unis, au Japon et en Europe. Le disque est devenu Gold aux États-Unis en quelques mois et le single édité, «Chameleon», est finalement devenu un succès à la radio commerciale et dans les clubs de danse, et a été adopté par les groupes de jazz-funk partout comme un long métrage instrumental. Sur Chasseurs de têtes, Herbie est revenu à ses racines en tant que compositeur de mélodies et de phrases qui pouvaient s’emparer de l’esprit de l’auditeur et les a enveloppés dans un groove qui allait aux racines de la musique rituelle publique. Avec Mason et Summers, Herbie a retravaillé son premier tube, «Watermelon Man», pour s'intégrer dans le nouveau son de ce groupe, et ce nouvel arrangement est devenu un moment fort de ses tournées de concerts. – Bob Belden, 2013 Sony Box Set Liner Notes

Hancock a raconté comment il a écrit «Watermelon Man» en 2008, sur Spectacle: Elvis Costello avec Herbie Hancock, et ce que cela signifiait pour lui, démontrant son origine hard bop et son évolution vers le funk Head Hunters.

C'est funk. C’est du jazz.

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Pierre roulante Le rédacteur en chef de la musique Hank Shteamer a récemment écrit sur le moment d’illumination spirituelle de Hancock sur le funk.

En 1973, Herbie Hancock se trouve à la croisée des chemins. Depuis quelques années, le claviériste dirigeait un groupe appelé Mwandishi – du nom d'un mot swahili signifiant «écrivain» – qui jouait du jazz électroacoustique tentaculaire avec un accent sur les textures trippantes et l'improvisation sans entraves. «Je considère Mwandishi comme un groupe de R&D – recherche et développement», a écrit Hancock dans son autobiographie de 2015, Possibilités. «Tout était question de découverte, de découverte, d’exploration, d’inconnu, de recherche de l’invisible, d’écoute de l’inouï.» Il adorait le groupe mais devenait frustré par son approche ouverte. «Il y a eu des moments où nous avons partagé tellement d'empathie et de connexion sur scène que cela nous a vraiment semblé spirituel», a-t-il écrit. «Mais quand Mwandishi était éteint – quand nous ne nous sommes pas connectés – l’expérience n’était pas agréable, et ce que nous jouions ressemblait à du bruit, même pour nous.»

Inspiré par le bassiste de Mwandishi, Buster Williams, Hancock avait récemment commencé à pratiquer le bouddhisme de Nichiren. Pendant qu'il chantait, il se concentrait sur la question de savoir où il devrait prendre sa musique ensuite. «J'ai passé des heures à mon Gohonzon» – le parchemin que les bouddhistes de Nichiren regardent en chantant – «cherchant une réponse à cette question et essayant de garder mon esprit ouvert à une sorte de direction. Et puis, un jour, alors que je chantais, je l'ai entendu. Je veux vous remercier . . . falettinme. . . être des souris elfe. . . agin. » Ce qui passait dans sa tête était le monument funk de 1969 de Sly et la Family Stone du même nom. «(S) uddenly j'ai vu une image de moi assis avec le groupe de Sly Stone, jouant cette musique funky avec lui. Et j'ai adoré! Hancock a continué. Mais ensuite, l'image a changé, et c'était mon groupe qui jouait ce truc génial, et Sly Stone jouait avec moi – et c'était étrange et inconfortable. Cela m'a bouleversé, car mon inconfort était une expression de snobisme jazz, où le funk était en quelque sorte plus bas sur la chaîne alimentaire. …

L'ethnomusicologue Steven F. Pond, qui est actuellement le Directeur du département de musique de l'Université Cornell, est l'auteur de Head Hunters: The Making of Jazz's First Platinum Album.

(Le livre) capture un moment de transition dans l'histoire de la musique moderne, une époque où le jazz et le rock se sont mêlés pour créer un nouveau genre, souvent controversé. À la pointe de ce style se trouvait Chasseurs de têtes, L'incursion d'Herbie Hancock sur le marché du jazz fusion.

L'album est devenu un tournant pour un changement radical dans la production et la réception du jazz. C'était le disque de jazz le plus vendu de tous les temps à ce moment-là, et l'industrie de la musique a rapidement réagi à l'expansion du marché, avec des budgets de production et de promotion décuplés. Un tel changement a aidé les musiciens à ouvrir la porte de la cabine de contrôle, élargissant en permanence leur rôle dans la production. Mais les critiques, croyant que le rock et le funk pourraient s'approprier le jazz à de nouvelles fins musicales – ou plus inquiétant, pour des raisons commerciales – se sont alarmés de plus en plus de ce qu'ils considéraient comme le début de la fin du jazz.

Le livre de Pond propose des aperçus et soulève des problèmes qui pourraient mettre certains experts et professeurs de jazz mal à l'aise. Le jazz, lorsqu'il est défini comme «la musique classique américaine» par des autorités comme Billy Taylor, ou Wynton Marsalis ou Ken Burns, empeste la politique d’acceptabilité. Il fait référence à l'attaque vicieuse lancée par le critique de jazz Stanley Crouch contre Miles Davis ' «Bitches Brew. "

Toutes nos excuses pour ne pas pouvoir créer un lien vers l'article réel de Crouch; voici un résumé.

L'article est dans le numéro du 12 février 1990 de la Nouvelle République, pp. 30-37. C'est l'histoire de couverture, sur la couverture intitulée «Sketches of Pain: The Rise and Fall of Miles Davis». À l'intérieur du magazine, il s'intitule «Play the Right Thing» et porte le sous-titre «Miles Davis, la vente la plus brillante de l'histoire du jazz». Voici quelques citations:

"Le contemporain Miles Davis, quand on entend sa musique ou le regarde jouer, mérite la description que Nietzsche a donnée de Wagner:" le plus grand exemple d'auto-violation dans l'histoire de l'art "."

"Désespéré de maintenir sa position à l'avant-garde de la musique moderne, de maintenir sa position financière, d'être admiré pour la tendance de ses prétendues innovations, Davis s'est tourné vers la belle pour faire une génuflexion avant la publicité."

Plus sur Bitches Brew plus tard, cependant, il est impossible de parler de jazz-funk, ou de funk-jazz, ou de jazz fusion sans accepter que l’utilisation de l’instrumentation électrique fasse partie du paquet souvent rejeté par les puristes.

Pond a poursuivi ses explorations sur l'influence de Hancock dans son article de 2013 "'Chameleon' Meets Soul Train: Herbie, James, Michael, Damita Jo et Jazz-Funk."

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Les critiques n'étaient pas préparés à la popularité généralisée de Chasseurs de têtes, et a lutté pour forcer un label sur l'album.

Le dilemme central pour les critiques et les fans de jazz était de savoir comment concilier le funkiness de la musique avec son identité jazz, une identité pour laquelle il y avait un manque flagrant de consensus. Ce dilemme est devenu dramatisé lorsque Head Hunters s'est hissé au sommet du palmarès nouvellement baptisé Billboard Jazz Albums tandis que "Chameleon" montait également au sommet du palmarès R&B Singles (le palmarès des sorties funk à l'époque). Le marketing des ventes record et les graphiques qu'ils ont encouragés ont été affectés par les formats de diffusion radiophonique; Les stations de jazz de la radio publique étaient peu attirées par les coupures d'albums de Head Hunters au début, mais les radios «urbaines noires» et «de forme libre» ont adopté «Chameleon». Néanmoins, l'album avait été initialement publié dans les magasins de jazz, et les ventes d'albums étaient suivies sur cette base. Bientôt, des bacs à disques dans les sections R&B, soul et funk des magasins arboraient l'album, en plus de son placement dans les racks de jazz. Qui pourrait dire si l'acheteur était en fait un client de jazz par opposition à un client de funk (comme si les deux ne pouvaient pas exister dans un seul corps)? Plusieurs critiques de jazz ont résisté à l'album sur la base du fait qu'il n'était pas du jazz, malgré son impact écrasant sur le classement du jazz; peut-être qu'un public de jazz nouveau, plus jeune et moins lié aux catégories émerge.

En d’autres termes: la musique de Hancock était populaire! Oh mon! Comment cela a dû irriter les puristes du jazz sans fin. La preuve dans le pudding de l'acceptation des jeunes a été démontrée sur Train des âmes, par leurs danseurs.

Hancock a fait ses débuts à Chicago en jouant avec le trompettiste Donald Byrd et le saxophoniste Coleman Hawkins, et peu de temps après, il a été présenté à Miles Davis par son jeune batteur Tony Williams. En conséquence, Hancock ferait partie d'un changement majeur dans l'histoire du jazz: le groupe qui enregistrerait Bitches Brew avec Davis.

Josh Jones a exploré l’histoire de l’album plus tôt cette année, alors qu’il célébrait son 50e anniversaire.

Je ne devrais pas avoir à vous dire que Miles Davis Bitches Brew, sorti il ​​y a cinquante ans ce mois-ci, est un révolutionnaire record. Le chef-d'œuvre funk-jazz-psych-rock a reçu ce prix dans les «best of» des listes depuis un demi-siècle. "Bitches Brew n'est PAS COMME D'AUTRES disques de son temps, ou de toute autre époque », annonçait avec insistance Rick Frystak sur le blog d'Amoeba Records l'année dernière, à l'occasion du 50e anniversaire de« l'éclosion »de l'album en 1969 sur scène et en studio. Comment pourrait-il en être autrement?…

Après Bitches Brew, le jazz a continué à fusionner avec l'instrumentation rock et l'overdrive, «de Chick Corea avec Return to Forever et Wayne Shorter avec Weather Report à Herbie Hancock avec The Headhunters» – et, bien sûr, à Mahavishnu Orchestra de McLaughlin. Comme l’avaient fait les disques expérimentaux des années 60 de Coltrane, l’album de fusion de base de Davis a libéré le rock de ses formules, lui donnant un espace pour se répandre et explorer. Même Radiohead l'a cité comme une influence sur leur révolutionnaire 1997 Ok ordinateur. «C'était en train de construire quelque chose et de le voir s'effondrer», dit Thom Yorke, «c'est la beauté de celui-ci.»

Le rejet initial de l'album dans les cercles de jazz n'a pas duré, comme le savent tous ceux qui connaissent la direction de la musique. Davis a déterminé son cours dans les années 70 (comme l'artiste de couverture Mati Karwein a déterminé son look). «Je ne sais pas si le jazz a jamais été débranché», dit McBride, et des fusionnistes de jazz contemporains influents comme Kamasi Washington, Thundercat et The Comet is Coming le prouvent. Il y a cinquante ans, le terrain était rompu pour le jazz électrique expérimental, et les musiciens s’appuient encore sur Miles » Bitches Brew intuitions.

Je ne me considère pas compétent pour critiquer musicalement Bitches Brew; Je peux seulement vous dire que je me souviens de l'impact que cela a eu (pour ou pour non) et de ce que Miles Davis a suscité chez les jeunes artistes. Une recherche rapide sur Google vous donnera des heures de lecture, sur la création de l'album et son influence sur les jeunes musiciens.

En guise d'encadré, je trouve curieux que peu de biographes et de critiques de Davis prêtent attention à un bref événement de sa vie qui a eu un impact sur son changement musical: son mariage avec Betty Mabry, que j'ai connue à une époque où nous avons tous traîné ensemble. au Cellar Club à Manhattan. Betty était l'hôtesse et n'avait aucune idée de qui était Miles quand elle l'a vu pour la première fois. Elle m'a en fait posé des questions sur un musicien qu'elle avait vu lors d'un voyage au village qui portait «de superbes chaussures en daim gris». J'ai pu l'identifier comme étant Miles Davis, et le nom ne lui signifiait rien à l'époque. Cela allait changer rapidement et ils se sont bientôt mariés. Betty a essentiellement défié Miles de «se branler», ce qui devait être un coup dur pour l'ego de l'homme qui se considérait comme un chat de la hanche consommé.

Betty Mabry est représentée sur la couverture de Davis ’ Filles de Kilimandjaro, Et est la femme au centre de son air Mademoiselle Mabry (Miss Mabry). Le plus grand impact de Mabry sur la vie de Davis a été de l'amener au funk.

Sa vie a été documentée par le cinéaste Phil Cox en 2017, dans un film initialement appelé Nasty Gal, mais finalement publié comme Betty – Ils disent que je suis différent.

Je vais laisser Betty Davis me jouer aujourd'hui.

Merci Betty. Certains d'entre nous ne vous ont pas oublié. J'espère que cette brève excursion dans le jazz-funk, le funk-jazz, la fusion, ou tout autre label que vous voulez lui donner, vous aura mouillé le sifflet pour en savoir plus, et j'ai hâte d'écouter vos contributions dans la section commentaires.

Ne laissez pas la musique vous rendre si funk que vous l’oublierez – nous allons devoir voter en masse en novembre.

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